Pour la Centrale | vitrine, Gladys Sauvage questionne notre rapport au geste et à notre pouvoir de création en proposant une installation performative et évolutive. A quelques rues de la Grand-Place, berceau des dentellières, elle crée une dentelle aux fuseaux au sein de la vitrine, à l’image des dentellières bruxelloises.

A la fin du XIXème siècle, les dentellières jouaient encore de leurs fuseaux dans les vitrines bruxelloises. L’ère industrielle puis l’automatisation ont aujourd’hui rendu cet artisanat presque obsolète. Plus assez rentables, les dentellières ont disparu.

Gladys Sauvage construit son métier de dentelle spécifiquement pour la Centrale | vitrine. Penser et construire son outil de travail est une manière pour l’artiste de se réapproprier ce savoir-faire. Elle fait corps avec son métier de dentelle tel une extension de ses mains. A travers cette technique d’antan au geste lent, Gladys Sauvage interroge le concept de production de masse et de rentabilité.

La dentelle ou le mycélium se propage dans la vitrine tout au long de l’exposition. L’artiste y œuvre en temps réel à différents moments : les 19 et 20 septembre, les 9, 10, 11, 12 et 13 octobre et les 13, 14, 15, 16 et 17 novembre 2024.

Gladys Sauvage (1995, FR), vit et travaille en France.

Gladys Sauvage est diplômée d’un Master en Tapisserie, Arts textiles à l’Académie royale des Beaux-arts de Bruxelles en 2020. Elle a également acquis le certificat Styliste de mode à l’Atelier Chardon Savard de Nantes. La dentelle aux fuseaux est le médium au cœur de sa pratique artistique.

Avec le soutien de la Fédération Wallonie-Bruxelles

La Centrale présente l’exposition ACCUMULATOR de Maren Dubnick à la Centrale | vitrine (04.04 > 01.09.2024).

À l’heure où la Centrale s’engage dans un important processus de transformation de ses espaces dédiés à l’accueil de ses expositions et de ses publics, réaffirmant, de fait, sa nouvelle identité, Maren Dubnick (artiste plasticienne) et Clémentine Davin (curatrice) réactivent la fonction initiale du lieu, dans le but de proposer une traversée sociale et historique du centre d’art, autrefois 1ère centrale électrique de la Ville de Bruxelles. Via une installation qui prend place au sein de la Centrale | vitrine, le duo pose un regard sur l’évolution des usages de l’électricité et de leur impact sur nos sociétés contemporaines, tel un trait d’union métaphorique entre les vies passée et future de la Centrale.

Le duo artiste-commissaire

Maren Dubnick, plasticienne & Clémentine Davin, historienne de l’art et critique d’art, se sont rencontrées à Bruxelles en 2018. Depuis, elles collaborent de manière régulière au développement de leurs projets respectifs, et plus spécifiquement sur les questions relatives à la médiation et à la place de l’art dans la société. Leurs préoccupations communes sont multiples mais, avant tout, elles partagent un intérêt marqué pour les démarches artistiques collaboratives qui visent à démocratiser l’art. En 2021, elles travaillent ensemble à l’élaboration d’un projet de résidence-laboratoire intitulé « Axis-Mundi de l’ancrage au Monde », soutenu par la Fédération Wallonie-Bruxelles dans le cadre de son appel à projets Un Futur pour la Culture 2021-22.

Maren DUBNICK (°1972, BE/DE) met en œuvre et en espace des stratégies d’empilement et d’enroulement qui visent à questionner notre rapport au temps. Telle une représentation de l’infinité, sa pratique s’exerce selon un procédé répétitif voire méditatif qui requiert à la fois maîtrise et patience.

Clémentine DAVIN (°1985, FR) travaille depuis de nombreuses années aux côtés des artistes en participant activement à la réalisation de leurs expositions et projets. Par ailleurs, elle est une contributrice régulière des revues d’actualité artistique l’art même et Flux News et, depuis 2022, membre du conseil d’administration de Fédération des Arts Plastiques (FAP).

Avec le soutien de la Fédération Wallonie-Bruxelles

La CENTRALE présente l’exposition « From the ground, with love » d’Antoinette d’Ansembourg à la CENTRALE | vitrine (23.11.2023 > 17.03.2024).

L’étrangeté intemporelle qui émane des installations d’Antoinette d’Ansembourg, l’artiste la puise sur le territoire de la ville, celui où champignonnent quotidiennement de nouveaux chantiers. Eventrant les bâtiments et excavant les rues, ceux-ci mettent à nu les réseaux aériens ou souterrains de câbles qui l’alimentent de leurs fluides ou de leurs flux électriques tel un être vivant. Dans ces domaines interdits au public et à la temporalité́ incertaine, l’artiste relève les accointances entre les décombres et les plantes qui ont la capacité de croître dans des environnements hostiles. Elle est sensible à ces modifications de la nature des êtres et des choses, à leur potentialité́ transgénique. C’est une « confrontation entre la construction humaine et le développement de la nature » qu’Antoinette d’Ansembourg interroge dans la construction même de ses installations, où se forgent d’indicibles mutations, et où naissent des organismes hors nature, issus de la combinatoire improbable du vivant et du déchet.

Avec le soutien de la Fédération Wallonie-Bruxelles

Photo © Harold Lechien

La pratique artistique d’Antoine Waterkeyn se manifeste par l’écriture et la réécriture perpétuelles d’intrigues et de constructions narratives. Il joue avec les archétypes et les personnages issus de romans célèbres ou de notre mémoire collective. Dans l’ensemble de ses œuvres, la narration est laissée volontairement ouverte à l’interprétation.

Pour son exposition à la CENTRALE | vitrine, Antoine Waterkeyn présente une installation de figures peintes plus grandes que nature. L’artiste s’inspire aussi bien de la figure monstrueuse du Cœur de chien de Mikhail Boulgakov que de la Cour des Miracles du roman Notre-Dame de Paris de Victor Hugo. A partir de ces récits, Waterkeyn imagine un concours Eurovision pour les intellectuel.le.s, réunissant les lauréat.e.s d’une catégorie atypique, peu récompensée : une collection d’anti-héros et de méchant.e.s de la culture populaire.

L’artiste nous renvoie ainsi aux figures marginalisées de la Cour des Miracles du Moyen-Âge : mendiant.e.s, truand.e.s, vagabond.e.s se faisant passer pour des infirmes dans les rues de Paris pour tromper les passant.e.s. Comme par miracle, à la nuit tombée, ils et elles se remettent à marcher normalement, à retrouver la vue ou l’usage de leurs membres.

En rassemblant ces personnages iconiques, Antoine Waterkeyn rend hommage aux anti-héros de sa collection. L’artiste tend ainsi aux passant.e.s de la rue Sainte-Catherine un miroir inversé de la société dominante actuelle.

― Où suis-je ? dit le poëte terrifié.

― Dans la Cour des Miracles, répondit un quatrième spectre qui les avait accostés.

― Sur mon âme, reprit Gringoire, je vois bien les aveugles qui regardent et les boiteux qui courent ; mais où est le Sauveur ?

Ils répondirent par un éclat de rire sinistre.

Le pauvre poëte jeta les yeux autour de lui. Il était en effet dans cette redoutable Cour des Miracles, où jamais honnête homme n’avait pénétré à pareille heure ; cercle magique où les officiers du Châtelet et les sergents de la prévôté qui s’y aventuraient disparaissaient en miettes ; cité des voleurs, hideuse verrue à la face de Paris ; égout d’où s’échappait chaque matin, et où revenait croupir chaque nuit, ce ruisseau de vices, de mendicité et de vagabondage, toujours débordé dans les rues des capitales ;

ruche monstrueuse où rentraient le soir avec leur butin tous les frelons de l’ordre social ; hôpital menteur où le bohémien, le moine défroqué, l’écolier perdu, les vauriens de toutes les nations, espagnols, italiens, allemands, de toutes les religions, juifs, chrétiens, mahométans, idolâtres, couverts de plaies fardées, mendiants le jour, se transfiguraient la nuit en brigands ; immense vestiaire, en un mot, où s’habillaient et se déshabillaient à cette époque tous les acteurs de cette comédie éternelle que le vol, la prostitution et le meurtre jouent sur le pavé de Paris

Victor Hugo, Notre-Dame de Paris (1831), extrait

Robberto & Milena Atzori présentent le projet LA FOULE à la CENTRALE | vitrine. Artistes multidisciplinaires, Robberto & Milena travaillent en duo depuis 2017 et combinent la peinture et la sculpture avec l’art textile et la broderie. Iels questionnent la relation entre la société et les obsessions individuelles. 

Le duo d’artistes collabore dans un processus créatif où l’un et l’autre se contaminent. Iels explorent les forces qui circulent entre religion et magie, ésotérisme et instinct, état de veille et de sommeil. 

Pour leur exposition à la CENTRALE | vitrine, Robberto & Milena Atzori proposent LA FOULE, une multitude de créatures polymorphes entièrement réalisées en tissus rembourrés, aquarellés et brodés. Leurs dimensions, proches de la taille humaine, font écho aux corps des spectateur.trices. L’assemblage de sculptures colorées souligne la pluralité des corps en même temps que la faiblesse de la notion d’identité. En questionnant ce que nous définissons comme « normal », Robberto & Milena Atzori souhaitent soumettre cette foule aux regards des passant.es de la rue Sainte-Catherine, révélant l’illusion du caractère immuable de l’identité individuelle. 

L’espace de la vitrine donne à voir une foule entassée, saturant l’espace face aux passant.es. de la rue Sainte-Catherine. L’installation, aux couleurs évoquant pourtant l’harmonie, aborde la peur de se voir confiné.es, ammassé.es dans une inconfortable promiscuité. Entre sentiment de malaise et besoin de contact, LA FOULE s’intéresse à l’ambivalence de notre rapport à l’altérité.  

Avec le soutien de la Fédération Wallonie-Bruxelles